FRANCO de VITA - ANA ( Lp. Franco de Vita 1984)

                       

FRANCO de VITA - ANA  1984

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ESTRENAMOS CHICA NOVIEMBRE 2015: YISELL ALVES

En nuestra Sección CHICA DEL MES podrás admirar a esta beldad venezolana.

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RICARDO AGUIRRE EL MONUMENTAL de la GAITA

Ricardo José Aguirre González (Maracaibo, Estado Zulia, 9 de mayo de 1939 - Maracaibo, Estado Zulia, 8 de noviembre de 1969), más conocido artísticamente como Ricardo Aguirre, fue un cantante, compositor, músico, maestro, director, locutor y arreglista venezolano, y también conocido por su apodo «El Monumental de la Gaita» o «El Padre de la Gaita», ya que compuso el éxito de la gaita venezolana "La Grey Zuliana".

Ricardo Aguirre sentado  en la derecha

Ricardo José Aguirre González, nació en Maracaibo el 9 de mayo de 1939 y murió en esa misma ciudad el 8 de noviembre de 1969. Maestro de educación primaria (Escuela Normal Nacional Gervasio Rubio, Rubio, Táchira 1959), locutor (1962) y músico (cantante, cuatrista, compositor, director y arreglista). Estuvo plenamente consustanciado con el pueblo zuliano y cantó a Maracaibo, a su gente y a sus angustias vivenciales, expresadas en la protesta, con una voz inconfundible y única, que le valió el justo apelativo de El Monumental de la Gaita, bautizado así por el destacado crítico gaitero Dr. Octavio Urdaneta.

Ricardo Aguirre es quien sostiene el cuatro

Graduado de maestro a los 19 años, se inició en Bachaquero durante dos años en la escuela Rafael Urdaneta, para regresar a Maracaibo e incorporarse a la Escuela Monseñor Francisco A. Granadillo de Monteclaro, donde escribió la música del Himno de la escuela Granadillo con letra de Jorge Samper, y al mismo tiempo se desempeñaba como locutor de La Voz de la Fe. En el ambiente gaitero empezó por ser director de Los Sabrosos, con los cuales no actuó o lo hizo en forma muy ocasional, y con Santa Canoíta. En 1962 ingresó a Cardenales junto con sus hermanos Rixio, Renato y Alves, poco después de la división del conjunto, donde propuso que le añadiera un complemento al nombre y así surgió Cardenales del Éxito. Grabó las primeras gaitas en 1963: Golpe Tradicional de Rixio Aguirre, Gaita, Gaita de Pedro Colina y Gaitas Tradicionales de Luis Ferrer y Rixio Aguirre. Empezó así su largo camino de éxitos con, entre otros: La Parrandera, La Bullanguera, Vieja y Famosa, Madre, los Piropos, Mi Danza, La Gaita del 65, Reina Morena, Mi Chinata, Imploración y La Boda del Cachicamo.

En 1967, por diferencia entre los integrantes de Cardenales del Éxito, se fue al conjunto Saladillo y con ellos grabó: El Indolente, Ro

Ricardo Aguirre en el bautizo de su último disco grabado en vida.

nda Antañona, La Cantarina, La Flor de la Habana (1y2), Dos Madres Antañonas, y La Grey Zuliana (1968). En esta última, según Arnoldo Hernández Oquendo, la música y el introito de la gaita pertenecen a Ricardo Aguirre, pero el estribillo a Marcial Valbuena, y además se le introdujo por primera vez un bajo eléctrico en un conjunto profesional. Esta gaita ha sido bautizada como el Himno de la Gaita Zuliana por su gran proyección. En 1969 fue nombrado supervisor regional de educación para los distritos Mara y Páez. Regresó a Cardenales del Éxito donde grabó El Decreto Papal, La Vivarachera y Maracaibo Marginada. También fue intérprete de: 

Poema Gaitero, Gaitoneando, Soberbia Gaitera, La Pica Pica, Gloria de un Parrandón y Remembranzas.

Entre sus composiciones destacan: La Grey Zuliana, La Pica Pica, Gloria de un Parrandón, Poema Gaitero, El Billeterito, Maracaibo Marginada, Remembranzas 2, Dos Madres Antañonas (con Jairo Gil), entre otras. Auténtico patrimonio del Zulia, que creció con los años, su memoria siempre presente en su potente voz, a través de los discos así como en la tradición gaitera del País que cada vez lo añora más y en su familia que ha conservado su canto puro a través de la Dinastía Aguirre. El 4 de noviembre de 1983 el entonces Gobernador del Estado Zulia, Humberto Fernández Auvert, promulgó un decreto donde declaraba oficialmente el 8 de noviembre como Día del Gaitero en recuerdo del día siempre lamentable cuando murió esta ilustre figura de la música regional.

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LOS CARDENALES del ÉXITOS

Los Cardenales del Éxito, es un Conjunto gaitero de brillante trayectoria nacional, que ha sido llamado popularmente “la raíz de la gaita” o “lo máximo”. Se inició en 1961, en Maracaibo, como el conjunto Pitoquin (V) y al año siguiente tomaron el nombre de Cardenales. Integrado por: Jesús Luzardo, Luis Ferrer, Gilberto Ferrer, José Tineo, Douglas Soto, Azael Luzardo, Gercio Vílchez, Víctor Marcano, Francisco Flores y Guillermo Luzardo, integrándose más tarde, Simón Sthormes y Jesús Villalobos. Animados por el afamado Pedro Colina desde Radio Popular y el canal 13 de Ondas de lago Televisión, clasificaron 

Lograron grabar dos discos de larga duración en Fonográfica del Zulia y se proyectaron en Caracas a través de los Shows de Víctor Saume, Aldemaro Romero, Renny Ottolina y Esta Noche Billo, con el apadrinamiento de Mario Suárez y Lila Morillo. En sus 45 años de trayectoria han grabado dos discografías por año han realizado giras por todo el país y algunas ciudades del extranjero; se han merecido casi todos los premios y la placa de reconocimiento de la Embajada de Venezuela en España. Entre sus éxitos figuran: Nunca, La Sandunguera, La botellita, Trigueña hermosa, Gaita del 65, La arestinga, Cumba cumba, Sentir Zuliano, Mi nostalgia, El negrito fullero, Barloventeña, Fiesta Decembrina, El tren de los Cardenales, Son mis deseos, La mana mana, El burro, Ceuta entre muchísimos otros.Han elevado la voz de protesta del pueblo zuliano y varias de sus gaitas han sido prohibidas tales como: Independencia ya, Maracaibo marginada, Anti-zuliano, Como no voy a protestar, Que viva el gobierno, Amor es, El protocolo, Reversión, El diablo, El gabinete del diablo, La pelea y otras.

Dentro de su trayectoria podemos visualizar entre sus integrantes destacadas figuras: Ricardo Aguirre, Betulio y Moisés Medina, Daniel Alvarado, Renato, Rixio y Alves Aguirre, Simón García, Ricardo Portillo, Antonio Aguillón, Ender Fuenmayor, Germán Ávila, Nerio Franco, Humberto García, Adalberto Pulgar, Pedro Rossell, Quintiliano Sánchez, Tony Cristalino, Astolfo Romero, Manuel Soto, Jesús Terán Chavín, Marvin González, Danello Badell, Gladys Vera y otros. Sus representantes Guillermo Govea y Pedro Colina. Sin embargo no todo ha sido éxito y así en 1979 sufrieron otra división muy fuerte, pero sin embargo la superaron.

Para 1986, debido a la enfermedad de su propietario Pedro Suárez, el conjunto iba a ser vendido para Caracas, pero afortunadamente Jesús Angel Urribarrí, el popular Chichilo, lo adquirió y logro reunir muchas estrellas dispersas de la trayectoria del conjunto cardenal,

Sentado a la derecha Ricardo Aguirre

para seguir siendo escuela de gaiteros y conjunto popular que distingue al Zulia, y que nos ha representado dignamente en Curazao, Aruba, Panamá, en la Feria Internacional de Madrid (1987), en el VIII Festival Folklórico de los Pueblos del Mundo (1988) y en todo lugar, donde la gaita se aprecie como una manifestación de lo zuliano y de lo venezolano, de lo nuestro. Es larga la lista de premios y reconocimientos, pudiéndose enumerar entre otros: Cacique de Oro, Guaucaipuro de Oro, Disco de Oro, Mara de Oro, Virgilio Carruyo, Disquito de Oro, Gaitero de Oro, , Trofeo Espectáculo, Águila de Oro, Sol Zuliano, Gala Gaitero (Caracas 1996). La mayoría ganado en varias oportunidades. En 1992, en ocasión de estar cumpliendo treinta años de fundado, fueron declarados patrimonio cultural de Maracaibo.Del conjunto se retiró Ricardo Cepeda para fundar Los Colosales y también los hizo Gladys Vera para incorporarse a Birimbao, pero Cardenales sigue siendo Cardenales del Éxito hasta ahora.

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Falleció la Sempiterna de la Gaita Zuliana Gladys Vera

El pasado 14 de septiembre de 2015, en horas de la tarde a fallecido la “Sempiterna Reina de la Gaita” Gladys Mercedes Vera Mora. Este Blog se une al duelo que acompaña la familia Calzadilla Vera  y Vera Mora y ruega por eterno descanso de su alma. Desde RADIO SOSPECHOSA, vaya nuestras palabras de condolencias en el dolor a su esposo Manuel Fernando Calzadilla y a sus hermanos Miguel Mora y Oswaldo Mora, a  sus familiares , a toda la comunidad gaitera y a sus milles y miles de seguidores

QUE DIOS LA TENGA SIEMPRE EN SU SENO y SU GLORIA ETERNA

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DELIA (Venezuela)

Delia (DeliaDorta) es una cantante venezolana. Su inicio no pudo ser mejor: debutó en el año 1974 con el “Número Uno” en la historia de la televisión de Venezuela, Renny Ottolina, en su programa estelar Renny presenta.

Su fama surgió en 1979, cuando su voz acompañó un comercial de una desaparecida marca de cigarrillos (Derby) para la televisión. A los pocos días de estar en el aire, la publici

dad causó una situación sorprendente en su país. Ese jingle, considerado el más memorable de la industria publicitaria de Venezuela, llamó la atención tanto del público televidente como de la prensa. Ellos reclamaban conocer la identidad de la intérprete de "Un Poquito Más". De inmediato la artista fue invitada para presentarse en el programa Sábado Sensacional, el show de televisión de mayor audiencia en Venezuela en ese momento. De esa forma, Delia se convirtió en el rostro más popular de entonces.

En ese mismo año, Delia (como comienzan a llamarla todos) participó en el Festival OTI Nacional

donde ganó el primer lugar. En seguida, le asignaron el derecho de representar a Venezuela en la octava edición del gran concurso de la canción iberoamericana: el Festival Internacional OTI, en 1979. Un evento musical animado por Eduardo Serrano (actor) y Carmen Victoria Pérez, que se celebró en el Teatro de la Academia Militar de Caracas en el que enfrentándose a reconocidos cantantes logró el segundo lugar.

Top Hit firmó el jingle, Un poquito más, y la transformó en una canción completa. Fue incluida en su álbum homónimo debut en 1980.

Como consecuencia de sus logros, le ofrecen un contrato discográfico para grabar en España, donde la producción es realizada por los talentosos Herrero y Armenteros. Se inicia de esta manera, la carrera profesional de una artista que, disco tras disco y show tras show, se ha convertido en una de las voces más respetadas de Venezuela. Ha compartido escenarios con figuras de la talla de Julio Iglesias, John Travolta y Armando Manzanero, entre otros.

En 1993 se lanzó su álbum Cosas del alma, donde cantó con la cantante de boleros Graciela Naranjo (1916-2001).

Son muchos años de constante superación los que acompañan la trayectoria musical de Delia Dorta, artista que ha sabido mantenerse en la élite de los artistas nacionales, gracias a la calidad que siempre identifica a sus trabajos. Actualmente Delia da clases de canto particulares, haciendo del cantar un Hobby y una forma de vida.

Talento, clase y profesionalismo, seguirán siendo el aporte de Delia Dorta al mundo artístico, y el público, su único beneficiario.

LINKS: 

• http://www.facebook.com/pages/DELIA-DORTA/62025839198
• http://www.facebook.com/profile.php?id=100002975812219

• http://www.youtube.com/watch?v=H0OpJhDwbKo (video de la canción "Un poquito más")

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SEXO ONLINE: EL Morbo Sexual

El morbo es difícil de definir porque es subjetivo, y a veces se utiliza como término peyorativo si definimos el comportamiento de una persona, pero no el nuestro. En ocasiones “morbo” se utiliza para definir un comportamiento sexual más libre o menos inhibido que el de

una pareja tradicional …

Un ejemplo lo tenemos en el sexo oral y la masturbación que hace mucho tiempo se consideraban prácticas morbosas y que ahora forman parte de las prácticas sexuales de la mayoría de las parejas. Antes muchos se masturbaban con la misma frecuencia que ahora, pero pocos admitían que lo hacían porque era una actividad condenada por por profesores, sacerdotes …

Claro que hoy se le llama sexo morboso a las prácticas sexuales fuera del juego previo, del coito, de la masturbación o del sexo oral. Y también se consideran morbosas las parafilias como el fetichismo, y el sexo anal heterosexual que hoy día es una práctica más habitual de lo que creemos.

Parece que no pero ¿es muy común la práctica del sexo morboso? En las parejas estables entre el 10 y el 30% han practicado alguna vez el sexo morboso y los expertos aseguran que el sexo ha empezado a ser más morboso en los úlltimos 20 años. Esto se debe a varios factores como el deseo de la pareja monógama por añadir algo de pimienta a sus relaciones sexuales, practicando juegos sexuales tomados de los medios de comunicación como el esclavismo sexual, el bondaje o la ropa de cuero  …

Si quieres añadir variedad a tu vida sexual podrías practicar el morbo suave para añadir variantes a tu vida sexual, aunque algunas personas tienen mayor necesidad de variar que otras, y las hay que necesitan vivir sensaciones sexuales fuertes, que asocian con el bondage o con los juegos sadomasoquistas … También puedes incorporar prácticas sexuales más exóticas como son los juegos sexuales tiernos y emotivos.

Si las prácticas sexuales te producen dolor o humillación, o se vuelven obsesivas y se convierten en una condición indispensable para la excitación o para llegar al orgasmo, entonces deben ser un motivo de preocupación. Y entender que nadie tiene por qué sufrir coacción por parte de su pareja o hacer cosas que no desea hacer … Y si esto ocurre tendrás que acudir a un terapéuta sexual para aprender que estos juegos deben constituir una fuente de placer no un problema constante con el que tienes que convivir …

tomado de   http://www.elsexoesvida.com
por Ana de Calle. Sexóloga y Terapéuta de Pareja

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Murió Marisela Pérez la icónica vocalista del grupo de ROCKESTRUCTURA

 

SE NOS FUE UNA DE LAS GRANDES del ROCK VENEZOLANO

Hoy no llega la infausta la noticia de la partida física Marisela Pérez,  porque su voz quedó para acompañarnos siempre no sólo a través de la obra inmortal que dejó con ESTRUCTURA, sino que también

Marisela Perez cuando integro el grupo
rock JADE, ella es la que esta
 a la izquierda en primera fila

la seguiremos disfrutando en su único álbum con el grupo JADE (1983) o sus valiosos aportes con artistas tan variados como PASTEL DE GENTE y su álbum Blues del Plan Unión (1985), en la grabación Delia Y Él (1980) de la prestigiosa vocalista DELIA, con su compañero de ESTRUCTURA, Agni Mogollón en el dúo GINA y AGNI (1983), por mencionar algunos.

Un día triste este 10 de diciembre, cuando paradójicamente uno de sus compañeros de ESTRUCTURA (Doménico Prioretti) celebra su cumpleaños y podemos decir que Marisela partió hacia otro lugar, tal vez a ese mundo mágico donde nos comenzó a deleitar con su voz, a ese mundo que se encuentra

Más Allá de Tu Mente . Estructura fue una excelente banda de rock sinfonico venezolana, originaria de Maracay encabezada por el tecladista y compositor David Maman. Se forman en 1977 y graban en 1978 este su primer disco, una obra conceptual de larga duracion que contiene una narrativa y arreglo coral. Es considerada una de las mejores grabaciones de su genero en Venezuela y ademas es un disco muy dificil de conseguir. Su estilo podria acercarse a las obras conceptuales de Rick Wakeman, guardando las proporciones obviamente, con cambios de ritmo fuertes, harto uso del Moog y algunos paseos por ritmos tipicos venezolanos.

Rerpertorio
01- En Su Busca (A. Rassi)
02- En el Tiempo (D. Mamán)
03- Más Allá de Tu Mente (D. Maman / M. Ciliberto)
04- Como un Sueño (D. Mamán / M. Ciliberto)
05- Confusión (A. Rassi)
06- Hacia Donde (D. Mamán)
07- La Gran Ciudad (D. Mamán / M. Ciliberto)
08- Sueños (A. Mogollón)
09- Su Gente (D. Mamán)
10- Su Presencia (D. Mamán)
11- Irrealidad (D. Mamán)
12- Un Niño (D. Mamán / M. Ciliberto)
13- El Regreso (D. Mamán / M. Ciliberto)
14- El Mensaje a Nuestra Humanidad (Mamán/Ciliberto/ Mogollón)
15- La Llegada (D. Mamán)

INTEGRANTES de la BANDA

1. Marisela Pérez (+) / lead vocals
2. David Mamán / keyboards & vocals
3. Antonio Rassi / guitar
4. María E. Ciliberto (+)/ rhythmic & acoustic guitar
5. Agni Mogollón / bass, vocals
6. Domenico Prioretti / drums
7. Walton de Jongh / percussion & effects

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ROCK´n TIGO: John Cougar

John Cougar

John Mellencamp, anteriormente conocido como Johnny Cougar, John Cougar y John Cougar Mellencamp (7 de octubre de 1951, Seymour, Indiana, Estados Unidos), es un cantante, compositor y guitarrista de rock estadounidense.

En su infancia, Mellencamp sufrió una serie de contratiempos, incluyendo una larga hospitalización por un trastorno llamado espina bífida. Pronto surgió la rebeldía; carácter difícil, borracheras, peleas, y problemas con las autoridades. Reunió su primer grupo a los 14. A los 17 se fugó con Pricilla Esterlina, su novia embarazada y buscó trabajos ordinarios; a los 24 se mudó a Nueva York para intentar entrar en el negocio discográfico

Camino al éxito y apogeo (1976-1985)
John Mellencamp comenzó su carrera a finales de los 70 (de 1976 es su primer disco, que resultó un fracaso comercial); su popularidad se fue acrecentando aprovechando el tirón de la música de Bruce Springsteen, a la que le unían muchos elementos en común; sin embargo, a medida que avanzaba su carrera, su música se volvía más personal, desarrollando una particular mezcla entre folk rock y hard rock; el punto álgido de su evolución coincide con el de máxima popularidad; cuando sale el disco "American Fool"(1982), que triunfa gracias a los éxitos del número uno "Jack & Diane" y "Hurts so good", dos de sus temas estrella, Mellencamp había desarrollado por completo su propia y particular versión de la música de Bruce Springsteen, Tom Petty y Bob Seger, la moderna música de raíces estadounidenses. A este éxito le une el aclamado "Uh-Uh" (1983), su primer disco con el Nombre John Cougar Mellencamp con el éxito "Pink Houses y "Crumblin' Down" (que entró en el top 10 de las listas americanas)"; las temáticas de John Mellencamp rebuscan en el mundo de la américa profunda; pueblos pequeños, casas de barrio americanas con sus Porches de entrada, noches de alcohol, crónicas de vidas modestas. La intención de Mellencamp era convertirse en comentarista de social de los Baby Boomers del medio oeste, (concepto que agrupa a personas nacidas después de la Segunda Guerra Mundial, 1946 – 1964, marcadas por la música, los cambios sociales y eventos como el Escándalo Watergate, la muerte del presidente Kennedy y de Martin Luther King, la Guerra de Vietnam y otros acontecimientos). Pero, mientras el éxito de ventas había llegado, la crítica no lo empieza a tomar en serio hasta su siguiente disco, "Scarecrow" (1985), un disco en el que ahondaba en la temática social y desplegaba una mayor variedad de estilos, redundando en un éxito de crítica y alcanzando en número dos en las listas, con los éxitos “Lonely Ol´Night”, “Small Town”, y “R.O.C.K. in the U.S.A.”. Tras ese álbum, se volcó más en actividades sociales, organizando ayuda para los granjeros junto con Willie Nelson y Neil Young. También fue conocido por su postura anti empresarial, al rehusar ofertas de patrocinios de marcas de tabaco y cerveza.

Segunda época (1987-1993)
Su siguiente disco fue "The Lonesome Jubilee" (1987). En él se hizo notar una mayor y más acusada influencia folk y country de los Apalache, y la temática giraba en torno a la olvidada Norte América Central; alcanzó el número seis en las listas, e incluía los éxitos “Paper in Fire”, “Cherry Bomb” y “Check it Out” ."Big Daddy" (1989), que continuaba explorando las raíces musicales norteamericanas, cosechó un buena crítica pero no alcanzó el mismo éxito que los anteriores. Dos años más tarde regresó con "Whenever We Wanted", el cual, a pesar de ser otro éxito moderado, todavía es recordado entre sus fans como una de sus obras básicas."Human Wheels" (1993) continuó con la estela de éxito moderado, y alabanzas por parte de sus fans.

Tercera época (1994-1998)
En 1994, su dueto con Meshell Ndegeocello en “Wild Night” de Van Morrison, le proporcionó otro masivo éxito de ventas. El respectivo álbum "Dance Naked", se convirtió en su mayor éxito desde "Big Daddy"; en esa época sufre un ataque al corazón que le obliga a cancelar la gira del álbum, no reapareciendo hasta en 1996 con "Mr. Happy Go – Lucky" ; un álbum muy esperado por los fans y con una buena acogida de crítica. Tras este álbum, Mellencamp se fue de Mercury al sello Columbia. Un año más tarde publicaría una colección de material inédito, bajo el nombre de "Rough Harvest"

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RETROSOSPECHSA: Grupo Metróplis

METRÓPOLIS

Banda formada en Caracas en 1980 e integrada por Efraín González, Raúl Morillo, Efraín Rodríguez y Marcus. Su sonido se centra en la combinación de elementos pop-rock y baladas, notándose la influencia de artistas venezolanos como Frank Quintero y Guillermo Carrasco. El estilo de la banda le permite captar la atención del público y rápidamente graban su álbum debut bajo el titulo de Metrópolis, El Grupo (1981), obteniendo gran repercusión comercial con el tema Tu creíste. Este álbum les permitió dar a conocer su música a través de presentaciones en Caracas y en distintas ciudades del interior del país. Tras la partida de Marcus, el grupo queda reducido a trío y editan los álbum Tutti-Frutti (1984) y Hoy es el Día (1986). A pesar del éxito obtenido con estas grabaciones, especialmente con el tema Colegiala,  la banda no mantienen continuidad desde el punto de vista discográfico.

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Diccionario del Sexo Anal...

 Diccionario del Sexo Anal... 

Aunque como tabú está superado en la mayor parte del mundo civilizado, el sexo anal sigue siendo, hoy por hoy, una práctica alternativa, una frontera sexual no cruzada por la multitud, una meta a conquistar, la última barrera que romper. Un placer de minorías que, según las últimas encuestas mundiales, es practicado con regularidad sólo por un 10% de las parejas heterosexuales, aunque el 40% de las mujeres lo ha probado una vez, por lo menos. Por supuesto, el sexo anal es mucho más practicado en el mundo gay masculino y Bisexual, pero aún así vale para todoas las personas que les gusta varia en el sexo de todas las orientaciones sexuales.

Si se hace mal, el sexo anal puede ser muy doloroso. Si se hace bien, puede dar mucho placer. El caso es equilibrar ambas cosas. Feel the pain, feel the pleasure. Entrar por detrás es todo un arte. Para aquellos hombres y mujeres que quieran iniciarse en las delicias del sexo anal o perfeccionar su delicada práctica, he aquí algunos consejos de la A a la Z.

Ano: lugar donde la espalda pierde su casto nombre. El Diccionario de la Real Academia Española lo define como el “orificio del conducto digestivo por el cual se expele el excremento”, obviando cualquier posible aplicación sexual. Pero, como todos sabemos, el ano está dotado de innumerables terminaciones nerviosas y suele producir placer (unas veces) y dolor (otras) el introducir objetos, dedos, puños, lenguas o penes en su interior.

 

Bolitas anales (o thailandesas): variante de las bolas chinas que tienen menos tamaño que las vaginales y están especialmente indicadas para estimular el ano. Pueden servir para “educar” el esfínter de cara a futuros coitos anales, sí, pero también para complementar la penetración vaginal o el cunnilingus, sacándolas en el momento del clímax.

Especialmente recomendables son las Flexi felix, cinco bolitas unidas por un cordel de silicona (material no poroso) que, metidas de golpe con lubricante y sacadas poco a poco pueden hacer tocar el cielo a los amantes más sibaritas.

Contra natura: es el nombre que la Iglesia Católica le daba a las prácticas anales. “Contra la naturaleza” porque se penetra un orificio que no ha sido puesto ahí por el Creador para hacer el amor, sino para expulsar desechos fecales. Y contra la naturaleza, también, porque al derramar el semen en el conducto anal no se engendran hijos y la Iglesia sólo respeta el sexo con fines reproductivos. O sea que sí, que, como diría un cura moderno, “darse por el culo es pecado, hija mía”.

Como siempre, la Iglesia no tiene en cuenta el hecho de que la sexualidad humana va más allá de la reproducción y que el coito anal es un juego sexual practicado desde hace millones de años, por reptiles y otras especies, mucho antes de la (relativamente tardía) aparición de las vaginas. En la actualidad, muchas razas de perros, simios y humanos la practican con fruición.

Culo: según la RAE, “conjunto de las dos nalgas”.

Dedo: instrumento de carne y hueso que, entre otras cosas, sirve para estimular y dilatar el ano. Penes aparte, el sexo anal puede disfrutarse usando uno o varios dedos que se introduce/n en el culo masculino o femenino durante el juego sexual o el coito. En este sentido, se recomienda empapar bien el dedo en saliva o lubricante, introducirlo lentamente y agitarlo con suaves movimientos circulares en las profundidades del recto. Sin rascar.

Dolor: si se practica así, de repente, a traición y sin preparación, el sexo anal puede resultar muy doloroso. La popular y vulgar frase “me han roto el culo” es el mejor ejemplo: nadie dice “me han roto la vagina” después de practicar sexo vaginal. Pero el sexo anal duele porque el conducto es más estrecho y tiene que ir acostumbrándose. El truco es ir poco a poco y jugar con las sensaciones. La cosa irá bien mientras el morbo o el placer sean superiores a las molestias y por supuesto, saber parar cuando duele mucho.

Enculada: acto de “dar por el culo”. Uno de los vulgarismos usados popularmente como sinónimo de sexo anal, en las antípodas del refinado verbo “sodomizar” (cuyo origen procede de Sodoma, ciudad bíblica del pecado destruida por la ira de Jehová).

El acto sexual anal también se usa para expresar distintos actos no sexuales, como la coba o adulación excesiva (”lamer el culo a”), el esfuerzo insistente por agradar o conseguir algo (”perder el culo por”) o, todo lo contrario, rechazar radicalmente a una persona (”mandar a tomar por el culo”).

Esfínter: es la frontera a franquear. Cada esfínter es un mundo con distintos grados de flexibilidad, anchura y suavidad. Hay esfínteres muy estrechos que no quieren dejar pasar nada que tenga más diámetro que un supositorio. La cuestión es ir dilatando el esfínter poco a poco, primero con lengua, luego con dedos impregnados de lubricante, luego con pequeños vibradores anales, para ir relajándolo hasta que llegue la hora de recibir el pene.

Si no se hace gradualmente, el músculo no estará distendido y él o ella verá las estrellas, arriesgándose a sufrir un desgarro de muy desagradables consecuencias y mucha vergüenza en la pulcra mesa del doctor.

Eyaculación: ¿Qué pasa cuando un hombre eyacula en las profundidades de un ano? Si está sano, poca cosa. Oleadas de calor en las entrañas y luego se elimina poco a poco, mezclado con las heces, en las siguientes deposiciones. A quien le resulte desagradable recibir el semen en su interior, puede pedir al hombre que saque el pene en el momento de la verdad y eyacule sobre las nalgas, por poner un ejemplo al azar.

Fisting anal: también conocido como fist fucking anal, es el arte de introducir un puño en un ano para dar placer. Suele darse más entre homosexuales con esfínteres muy dilatados y hacerlo requiere unas complejas técnicas.

Higiene: si el gusto sexual de los amantes no indica lo contrario, la higiene es fundamental a la hora de entregarse a las prácticas sodomitas. Un culo sucio no es plato de gusto para las personas no aficionadas a la coprofilia, pero para algo existe una cosa llamada bidet.

En cuanto al interior, es recomendable “hacer de vientre” antes de entrar en materia y, si los amantes son muy escrupulosos, se puede recurrir a una lavativa para no encontrarse con sorpresas en el espacio interior. (Véase “Lavativa”). La higiene es más importante para la mujer (que, siempre intentando aparecer pulcra y bienoliente, se suele abochornar si el pene sale sucio de su orificio), que para el hombre que, por regla general, tiene menos escrúpulos en la cama y en cualquier otro lugar.

 

Hombre: individuo que se halla en posesión de un pene. Aunque no es imprescindible, resulta bastante útil para practicar sexo anal ya que, por su textura y peculiaridades, los penes son ideales para la penetración anal (salvo que sean demasiado gruesos, claro).

No hay que olvidar, en ningún caso, que la sodomía también puede ser practicada entre señoritas, utilizando consoladores o un arnés con pene postizo incorporado. De esta misma manera, es posible cambiar los papeles y que una mujer acabe enculando a un hombre para gran satisfacción de ambas partes.

Ilegal: el sexo anal está prohibido en varios lugares del mundo. Sorprende que sea ilegal (incluso dentro del matrimonio) en un puñado estados de Norteamérica, buque insignia de Occidente. En Kansas, si entra un policía en tu casa y te sorprende con las manos en la masa (o sea, con el pene en un trasero de tu mujer) te puede costar seis meses de cárcel; en Maryland, 10 años; en Nebraska, también una década de prisión mas una multa de 5.000 dólares y en Carolina del Sur, hasta un lustro de cárcel con una multa de 500 dólares. En los estados que penan la sodomía homosexual no entramos porque la lista sería interminable.

Infecciones: pueden producirse en la vagina o en la boca como consecuencia del sexo anal. Para evitarlas, es recomendable dejar el sexo anal para el final, es decir, no chupar ni meterse en la vagina el pene después de haberlo pasado por detrás y lavarse cuidadosamente cada vez.

Lavativa: también conocida como enema, es un instrumento que sirve para dejar el recto y el colon como patenas, introduciendo agua tibia a través del conducto anal. Es la única manera de practicar la sodomía con la seguridad de que no se van a encontrar sorpresas engorrosas. La lavativa tarda entre 20 minutos y media hora en hacer efecto.

Cuando la lavativa se convierte en un fin en sí misma, o sea, cuando lo que da placer es poner y/o ponerse un enema, se puede hablar de clismafilia, una parafilia que consiste en usar la lavativa mientras se practican juegos sexuales.

 

Lubricante: sustancia viscosa o resbaladiza imprescindible para humedecer la zona anal y facilitar la penetración. El ano, a diferencia de la vagina, no segrega fluidos lubricantes, así que han de ser aplicados desde el exterior.

El lubricante puede ser natural (saliva, semen, flujos vaginales, etc.) o artificial. Este último puede ser de base acuosa, que tiene la ventaja de irritar menos la carne del esfínter, o de silicona, que tiene la ventaja de durar más y lubricar mejor la zona.

Hay decenas en el mercado; por ejemplo, Bioglide, que ofrece dilatación extra, es hipoalergénico, 100% biológico, no mancha ni huele y es compatible con el condón.

Nalgas: compuertas del ano. Si son redondeadas, respingonas, carnosas y, en general, bonitas, pondrán el pene más duro, preparándolo para la penetración. Las nalgas reciben placer a través del palmoteo y de la fricción, que también son excelentes prolegómenos precoitales.

Importante: las mujeres se excitan más con los masajes que les levantan y les abren las nalgas que con aquellos que se las bajan y se las cierran. Los hombres, por su parte, prefieren pellizquitos, palmadas y magreo bruto en general, con especial predilección por las caricias en la zona alta, justo donde se funden culo y espalda. Si son generosas, las nalgas pueden usarse para masturbar un pene, del mismo modo que se hace con los pechos.

Novias / mujeres / amantes: históricamente, son damas que, por represión, higiene o miedo, no han estado predispuestas a catar las mieles de la sodomía. Aunque las cosas han cambiado sensiblemente en este sentido, a veces que convencerlas poco a poco, con tacto y con contacto bien lubricado, para que entren en razón y abran las divinas compuertas de sus nalgas… aunque sólo sea una vez. Si se hace correctamente, lo más probable es que repitan, aunque sea con otro. 

Novios / maridos / amantes: históricamente, son unos señores que quieren meterse a toda costa por la puerta de atrás. Si les dices que no, pueden llegar a obsesionarse, insistiendo mucho para entrar en esa pequeña habitación prohibida que tienes cerrada con llave. En este aspecto las cosas no han cambiado en absoluto.

La cultura popular moderna, particularmente la nueva ola de series desprendidas y liberales como Sexo en Nueva York y Mujeres desesperadas indican que, para que no pierdan la cabeza ni se vayan por ahí a buscar otra con la que hacerlo, lo mejor es dejarles probar. En un capítulo de esta última, el personaje de Eva Longoria le decía a una amiga que sí, que al hombre había que darle sexo anal para convencerlo de que le habías entregado esa parte de ti, pero que luego no era necesario repetir la experiencia, ni él tampoco insistiría mucho.

Esta teoría coincide con los porcentajes: el 40% lo prueba, pero sólo el 10% repite habitualemente. Insistimos: eso es que la primera vez se hizo sin experiencia, sin tacto o sin manual.

Orgasmo anal: momento de máxima excitación del ano en el que se experimenta un placer muy intenso y espasmódico, seguido de una agradable relajación. No todo el mundo es capaz de conseguir un clímax puramente anal, sin tocarse los genitales y con contracciones rectales de puro placer que hiperestimulan por presión al pene introducido en la cavidad.

Penetración anal: ha de hacerse con sumo cuidado para no producir dolor. Con el esfínter bien dilatado por juegos previos y el pene empapado en lubricante, se pega la punta del glande al esfínter y se masajea ligeramente para luego, muy poco a poco, ir introduciéndolo en el recto sin volver atrás hasta que se haya introducido el pene en su totalidad. La persona que recibe puede hacer el acto más fácil relajando su esfínter y, empujando un poco a veces, como si estuviera defecando pero con menos fuerza, para que el ano se dilate más y reciba mejor al miembro viril.

Pasado el primer trago, el resto es sencillo: coger un buen ritmo entre ambos amantes y dejarse llevar por el instinto.

Próstata: punto G masculino. Aunque se puede estimular a través del perineo (ver “Perineo”), la mejor forma es introduciendo un dedo, consolador o pene en el recto y masajeando la próstata en el interior. Así se consiguen orgasmos intensísimos y, aparentemente, con el ejercicio se previenen enfermedades tan letales como el cáncer de próstata.

Para estimular el  punto G masculino te recomendamos el uso del consolador Aneros. Se trata de un masajeador que, gracias a su novedoso diseño, actúa simultaneamente sobre el esfinter y el perineo estimulando, a la vez, los tres puntos erógenos.

Perineo: zona comprendida entre los órganos genitales y el ano extremadamente sensible al contacto de lenguas, dedos y otros inventos. A las mujeres les encanta que les acaricien el perineo haciendo circulitos con el dedo. Y a los hombres, aún más, ya que tienen la zona del perineo ultrasensible, porque bajo ella se encuentra la próstata.

Para estimular el perineo masculino hay que pulsar de forma intermitente, durante un segundo, justo detrás del escroto. Este ejercicio funciona aún mejor si se compagina con sexo oral.

Riesgos: cuando un@ está acostumbrad@, el sexo anal puede llegar a ser muy placentero, incluso más que el vaginal o el oral. Pero… el problema es que estamos hablando una práctica sexual de alto riesgo, ideal para contraer un SIDA, una gonorrea y demás enfermedades de transmisión sexual. Además, puede generar infecciones, fisuras, almorranas, desgarros, condilomatosis, oxiurasis (esta última afecta sobre todo a homosexuales) y muchos más trastornos del trasero.

Por eso es mejor hacerlo relajado, con alguien de confianza y con mucho cuidado. Y, de hacerlo en un portal con un desconocido y sin lubricante, lo mejor es ponerse un par de condones por si las moscas. Sobre todo si se trata de un acto entre caballeros.

Tabú: desde la Edad Media, época en la que se quemaba a los sodomitas en la hoguera, la práctica del sexo anal fue considerada un tabú innombrable propio de herejes. Hoy, el sexo anal pasivo sólo es tabú entre los hombres heterosexuales, que se niegan en redondo a experimentar con su ano y con los placeres de la próstata.

La doctora Patricia Smith, experta en sexología, afirma que “la zona anal sigue siendo la región tabú del cuerpo masculino. Pese a ser muy erótica y contar con gran cantidad de receptores que la hacen muy sensible, muchos hombres no permiten que la mujer estimule su ano”. La causa de este tabú reside en el mito del macho activo que, sobre todo en los países latinos, es indestructible, así como el temor casi supersticioso de los hombres heteros a realizar cualquier tipo de práctica que roce la homosexualidad.

Virginidad: la sodomía es practicada por muchas chicas jóvenes que quieren disfrutar del sexo con amantes esporádicos sin sacrificar su virginidad vaginal, que entregarán al hombre con el que se casen o del que estén enamoradas.

Es como un regalo especial que muchas chicas quieren entregar al amor de su vida y, mientras tanto, no se aburren. En razas como la gitana, donde la tradición le otorga al marido el derecho de exigir pruebas de la virginidad de la mujer, es importante mantener intacto el himen. Pero al esfínter, por suerte, no se le puede hacer la prueba del algodón.

Cortesía de http://www.camaderosas.com

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YORDANO cumplió 63 años el pasado 27 de Ocutbre

FELIZ CUMPLEAÑOS YORDANO

 Yordano (cuyo verdadero nombre es Giordano Di Marzo Migani), (nacido el 27 de octubre de 1951) es un músico compositor e intérprete ítalo-venezolano, nacido en 1951 en la ciudad de Roma (Italia), hijo de padres italianos y hermano del también cantautor Evio Di Marzo. Es uno de los baluartes del movimiento pop venezolano de la década de los 80, etapa sumamente prolífica en el aspecto cultural de la historia contemporánea de Venezuela. Actualmente trabaja y reside en la ciudad de Caracas, frecuente inspiración de buena parte de sus composiciones.

En los años 80 Yordano sacó filo a su sonido, convirtiéndose en el cronista de su ciudad, Caracas, a través de canciones universales que se convirtieron en enormes éxitos masivos de la música popular contemporánea hecha en Venezuela. Su álbum epónimo, lanzado en 1984, fue un éxito comercial de dimensiones nunca antes alcanzadas por ningún artista pop venezolano hasta entonces. En este álbum resaltan algunas de sus composiciones más destacadas, como Manantial de corazón, Bailando tan cerca y Aquel lugar secreto. Sin embargo, su balada más conocida, Perla negra, llegaría de la mano del álbum Jugando conmigo (1986), obra que consagró al artista a nivel internacional y lo colocó en el pináculo del movimiento pop venezolano de los 80. Durante esta época, Yordano recibe la colaboración artística de Álvaro Serrano Calderon como productor musical en sus tres primeros trabajos, quien a su vez le hace los vientos, y de la Sección Rítmica de Caracas, Eddy Pérez guitarras, Nene Quintero percusión, Willie Croes teclados, Lorenzo Barriendos bajo y Eleazar Yanez batería, que, junto a sus otros compañeros musicales, tienen buena parte del crédito del excelente y totalmente innovador sonido del artista.

Con la llegada de los 90, Yordano mantuvo su popularidad a través de éxitos radiales, tanto propios como versiones libres de grandes éxitos mundiales, como por ejemplo Madera fina, de su álbum Finales de siglo. Sin embargo, su popularidad en esta época se afinca especialmente a raíz del éxito de la telenovela Por estas calles, cuyo tema musical homónimo está incluido en su trabajo De sol a sol (1992). La canción sonó de manera ininterrumpida durante el largo período de emisión del programa, lo cual produjo una sobreexposición innecesaria del trabajo del artista, produciendo un notorio desgaste en su ánimo y vida personal, que lo llevó a buscar nuevos derroteros musicales.

Necesitando reinventarse, Yordano cambia de disquera a mediados de esa década, compone y produce dos álbumes de tono más íntimo y minimalista que los que había presentado en la etapa previa de su trayectoria; Sabor de cayena sale a la luz en 1994 y Fiebre en 1996. Éste último fue injustamente ignorado por las radios y el público, y es lo que se podría llamar 'el gran álbum perdido" de Yordano. Simultáneamente, las compañías disqueras venezolanas experimentan una notoria contracción, recortando costos de producción, realidad a la cual muchos artistas deben enfrentar con buenas dosis de creatividad. Durante esta etapa, Yordano arma una banda experimental, manteniendo un bajo perfil que le permite explorar más cómodamente otras tendencias musicales, como el blues, apoyado en el escenario de un local nocturno caraqueño, abierto ad hoc por el propio artista. No obstante, sigue marcando presencia pública: en diciembre de 1998, luego de romper lazos con Sony Music, se lanza a la aventura independiente sacando a la calle Noches de luna - Yordano en concierto, disco doble grabado en vivo y que incluye los mayores éxitos del artista.

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SÓLO MÚSICA: The Andrea True Connection

  

  

  The Andrea True Connection

Andrea Marie Truden (Nashville, Estados Unidos; 26 de julio de 1943 - Kingston, Nueva York, Estados Unidos; 7 de noviembre de 2011), más conocida por su nombre artístico Andrea True fue una cantante y actriz porno estadounidense. En adición a ese nombre, utilizó otros pseudónimos como Inger Kissin, Singe Low, Sandra Lips, Andrea Travis y Catherine Warren. su carrera como cantante fue bastante corta, en pleno apogeo de la música disco, al publicar sólo tres álbumes de estudio; More, More, More (1976), White Witch (1977) y War Machine (1980), lapso en el que lanzó siete sencillos. Sin dudas su éxito más importante en la música fue el sencillo "More, More, More", incluido en el álbum homónimo, lanzado en 1976 y que se ubicó entre los cinco primeros de Estados Unidos (Nº 4) y Reino Unido (Nº 5), actuando bajo el nombre artístico de The Andrea True Connection.

Es considerada uno de las canciones más populares de ese género. Fue compuesta por el productor Gregg Diamond, y ha sido interpretada desde entonces por artistas como Samantha Fox, Bananarama, Rachel Stevens y Dannii Minogue. En 1999 la banda canadiense Len la utilizó como base instrumental en su exitoso sencillo "Steal My Sunshine". "More, More, More" también ha sido utilizada en anuncios promocionales de la televisión estadounidense, como la serie Sex and the City. La línea de conexión del título se utiliza como un jingle por la cadena canadiense de supermercados Save-On-Foods

The Andrea True Connection - More , More, More. - 1976

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DESPECHO on the ROCK: FRANK SINATRA, LA VOZ

 Frank Sinatra

 Francis Albert Sinatra (Hoboken, 12 de diciembre de 1915 - Los Ángeles, 14 de mayo de 1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. Apodado «La Voz»,  fue una de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX y dejó, a través de sus discos y actuaciones en Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio. Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación. Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo. A Sinatra se le "De aquí a la eternidad" como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Óscar al mejor actor secundario. A lo largo de su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

reconoce el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta (dominadora de la música popular estadounidense de principios del siglo XX) y para aproximarla a la intimidad del oído del oyente. Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en "

y su dominio del control de

la respiración; el rango de su voz estaba próximo al de Bajo-barítono. En cuanto a su categoría artística, esta radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.  En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resulta secundaria respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible.

directo, un legado canónico en lo que respecta a la interpretación vocal masculina de esa música.2 Su popularidad llegó a ser inmensa y prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron especialmente exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad como cantante.

FLYME TO THE MOON. Fran Sinatra - 1964

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ROCK ´n TIGO: HIGHWAY to HELL / AD-DC

Highway to Hell

  

Highway to Hell (Autopista al infierno), es el sexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC que salió a la venta en 1979. También es el quinto álbum de estudio internacional de la banda y todas sus canciones fueron escritas por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott.Se consideró el álbum más popular de la banda hasta el momento, y ayudó a incrementar la popularidad de ésta considerablemente, posicionándola para el éxito de su álbum Back In Black el año siguiente. Fue el último álbum grabado con el vocalista Bon Scott antes de que este muriese en febrero de 1980. Highway To Hell fue el primer álbum de AC/DC que no fue producido por Harry Vanda y George Young.En Australia, salió a la venta con una cubierta ligeramente diferente. A diferencia de la internacional, tenía llamas en la guitarra. En Alemania del Este se cambiaron los diseños de las carátulas debido a un descontento de las autoridades ya que la imagen de la portada era las de los miembros de la banda envueltos en llamas.

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RETROSOSPECHA: Rock the Boat por HUes Corporation

 

  Rock the Boat

  Rock the Boat "es una canción del disco por el grupo de Hues Corporation en 1974" Rock the Boat "fue escrito por Waldo Holmes, quien también escribió las canciones Blacula. "Rock the Boat" se presentó por primera vez el álbum de 1973 del grupo Hues Corporation, de su album "Freedom For The Stallion" (una versión de edición diferente, que era el Sencillo, más tarde apareció en ciertas ediciones  siguiente del álbum de la banda, Rockin 'Soul de 1974), y fue lanzado como el segundo single del álbum a principios de 1974 , que había alcanzado su pico en el # 63 en el Hot 100 Inicialmente, "Rock the Boat" parecía como si fuera un fracaso, y pasaron meses , sin ninguna mención  en radio o de ventas. No hasta que la canción se convirtió en  favorita en  discotecas y clubs de Nueva Yor, llegando al Top 40 de radio, finalmente aceptan  la canción, entrando en el  Hot 100 y alcanzando el Nº1 en el Billboard en la semana del 6 de julio de 1974, en sólo su séptima semana en en el chart (y cuarta semana en el Top 40). El disco también alcanzó el top 10 en el Reino Unido (número 6). Es uno de los favoritos en alss radio adultos contemporáneas  de hoy.

    Rock the Boat The Hues Corporation - 1974

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SEXO ONLINE :Las 10 curiosidades del clítoris

Las 10 curiosidades del clítoris

El gran olvidado en estos asuntos suele ser el clítoris, un órgano pequeño y capaz de generar un inmenso placer sexual a las féminas. ¿Quieres conocer algunas curiosidades acerca del él? Te contamos.

1.- Es el mejor para el orgasmo: Si bien los orgasmos vaginales existen, solo un 30% consiguen tener un orgasmo únicamente con penetración. El resto requieren algún tipo de estimulación directa del clítoris para conseguir el orgasmo.

2.- El clítoris es más grande de lo que parece: Marie Bonaparte había movido su clítoris mediante una cirugía, para que estuviera más cerca de la vagina, y por ende, pudiera llegar más fácil al orgasmo mediante la penetración. Sin embargo, su idea no funcionó, por lo que ella no sabía es que solo un cuarto del clítoris es visible, mientras que el resto está dentro del cuerpo: está hecho de varias partes, donde la cabeza y el capuchón están por fuera del cuerpo, y el tejido eréctil, glándulas, bulbos vestibulares y pilares están dentro.

3.- Es muy parecido a un pene: Aunque hoy en día eso no te lo puedas imaginar, hasta las doce semanas de embarazo, tu cuerpo tenía los mismos genitales que los del sexo contrario. Por esta razón, el clítoris y el pene están hechos de lo mismo pero de forma ligeramente diferente. Incluso, se comporta igual: se erecta cuando se excita, aunque por suerte, al no ser visible, permite a las mujeres no tener que medírselo y compararlo con el de sus amigas.

4.- Solo sirve para el sexo: Como bien lees, el clítoris no tiene otra función más que dar placer sexual a la mujer. Si bien las mujeres tienen varios puntos de placer, muchos de ellos tienen otras funciones, mientras que el clítoris no.

5.- Todos son diferentes: Como en todo en la naturaleza, hay variedad. Hay clítoris pequeños, grandes, más escondidos o menos. Algunos aumentan su tamaño cuando una mujer está excitada, uno son muy sensibles y necesitan mucha presión. Por eso, es importante que las mujeres conozcan su propio cuerpo para conocer la mejor forma de recibir placer.

6.- Una sola palabra:  La palabra clítoris viene del griego kleitoris, y significa “llave”. Y el punto curioso es que, te encuentres donde te encuentres, la palabra clítoris es algo prácticamente universal, conocido en todos los países. Eso nos da algunas ventajas si nos vamos de viaje, ¿no?

7.- No envejece: Ya sabemos que las mujeres son multiorgásmicas. Y también sabemos que el clítoris es el principal punto de placer del cuerpo femenino. Sin embargo, como lo dice nuestra curiosidad, no envejece: una vez que la mujer alcanza la madurez en su desarrollo, el clítoris mantiene su sensibilidad por el resto de la vida, por lo que tendrá la misma capacidad de llegar a un orgasmo a los 30 y a los 95.

8.- El cerebro estimula al clítoris:  El orgasmo de una mujer se producen gracias a nervios de seis tejidos diferentes. Cuando los impulsos nerviosos del clítoris llegan al cerebro se produce un orgasmo, pero estas vías son diferentes en cada mujer y cambian según las etapas embarazo, lactancia, menopausia. Mientras que la corteza cerebral dificulta el orgasmo, pero a medida que nos acercamos al clímax el clítoris recoge información sensorial, de la corteza cerebral, el hipotálamo y el sistema nervioso periférico.

9.- La mutilación del clítoris es común en ciertas culturas: La ablación o mutilación del clítoris es una práctica lamentablemente aún común en algunos países del mundo. En algunos casos, también se cose y cierra la vulva, dejando un único agujero para que salga la orina y menstruación. No se suele hacer por médicos, en condiciones insalubres y suelen conllevar lesiones e infecciones, y, en algunos casos, también la muerte. Esto se hace para eliminar la posibilidad de que las mujeres sientan placer, ya que se cree que son impuros.

10.- El clítoris se ejercita: Camina todos los días veinte minutos y mejorarás tu capacidad de llegar al orgasmo mediante la estimulación del clítoris, además de ponerte en forma. Caminar aumenta la congestión genital de una mujer en un 168% y el efecto persiste por horas.

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Sólo Música: EL BAJO ELECTRICO

  EL BAJO ELECTRICO

Cuando, en 1951 Leo Fender presentó su Precision Bass no sólo pretendía ofrecer a los contrabajistas un instrumento portátil para facilitarles el transporte, sino también –y sobre todo- ofrecer a los guitarristas (quienes estaban perdiendo rápidamente sus trabajos en las orquestas debido a la rápida disminución de los miembros de las mismas) un instrumento que les permitiera tocar el bajo con la técnica de la guitarra, redoblando de esta manera sus oportunidades de encontrar trabajo. La solución de Fender, que no era músico, pero que siempre había escuchado los problemas de los músicos, consistió en un modelo agrandado de su guitarra Telecaster, con cuerpo de fresno y mástil de arce atornillado. El principal problema que encontró fue encontrar una longitud de escala adecuada para el mástil de su nuevo instrumento, y tras muchos experimentos, adoptó la medida que aún hoy permanece como estándar, esto es, 34 pulgadas. El nombre del instrumento, “Bajo de precisión” fue debido, al menos en parte, a los trastes que incorporaba, que eliminaban los problemas de entonación tan frecuentes en los contrabajistas y -sobre todo- en los guitarristas no habituados al contrabajo.

El primer prototipo usaba clavijas de contabajo y cuerdas de tripa y acero. Dado que el cuerpo era tan pesado, Leo le porporcionó “cuernos” dobles, para facilitar el balance del instrumento (la Telecaster es una guitarra “single cutaway”), un diseño absolutamente original para la época. Incorporaba una pastilla simple , controles de volumen y tono, un apoyador para la mano (pues Leo pensaba que los músicos usarían el pulgar de la mano derecha de modo natural para pulsar las cuerdas) y dos cubiertas cromadas, una sobre la pastilla (que proporcionaba además protección eléctrica) y otra sobre el puente (que incorporaba apagadores de las cuerdas, pues se suponía que el instrumento debía imitar el punch apagado del contrabajo). Fender creó asimismo un amplificador para su nuevo instrumento, el Fender Bassman, que más tarde sería reverenciado por guitarristas de todo el mundo.
Fender Precision Bass.

Sin embargo, cuando el Precision bass fue presentado en 1951 tuvo una acogida más bien fría, pues era visto como un instrumento demasiado radical, que no acababa de cuajar entre los guitarristas y que era considerado por los contrabajistas como poco más que un juguete. Leo Fender, lejos de rendirse ante esta tibia acogida inicial, se dedicó a la promoción activa de su instrumento, frecuentando los locales de conciertos y mostrándoselo a los músicos. Una noche que cambiaría el curso de la historia de la música, Leo se encontraba en un concierto del vibrafonista de jazz Lionel Hampton, y ofreció su Precision al bajista de la banda, Roy Johnson. Hampton se mostró interesado por el nuevo instrumento y Fender le dijo que podía quedárselo a cambio de que le diese su número de teléfono a todas las personas que se interesasen por el bajo. Después de un mes de exposición en los conciertos de Hampton, Fender había recibido ya más de 100 encargos del nuevo instrumento. En 1951, Monk Montgomery (hermano del guitarrista Wes Montgomery) entró a formar parte de la orquesta de Hampton y también él adoptó con entusiasmo el nuevo bajo.3 Montgomery era el primer bajista de renombre que usaba el nuevo Precision, y contribuyó en gran medida a la popularización del instrumento.
La aceptación del bajo eléctrico

A pesar de los esfuerzos de Fender el Precision Bass era aún poco más que una curiosidad a mitad de la década de los 50, y la gran mayoría de los bajistas usaba aún el contrabajo. Fueron entre los músicos de Rock&Roll, atraídos por el enorme volumen que entregaba el Precision en comparación con el contrabajo acústico, donde el nuevo Precision encontró más aceptación. Jerry Lee Lewis fue uno de los primeros en incorporar el bajo eléctrico en su orquesta, y el mismísimo Elvis Presley convenció al parecer a su bajista Bill Black a usar el nuevo bajo Fender en la banda.4 Después de cierto rechazo inicial, Black comenzó a usar su Precision tanto en directo como en estudio, lo que proporcionó un enorme empuje al instrumento, dado el éxito increíble de la música de Elvis. Al mismo tiempo otros músicos de otros estilos, como el Blues, el “Surf” y –sobre todo- el Rock, fueron incorporando el bajo Fender en sus bandas. La música popular requería cada vez más volumen, y sólo el bajo eléctrico podía ofrecerlo. Los ojos y los oídos de personas en todo el mundo se estaban acostumbrando poco a poco a la imagen y al sonido del nuevo instrumento.
Más allá del Precision Bass

Desde mediados de los años 50, motivados por el progresivo éxito de ventas que estaba obteniendo Fender con su Precision Bass, otras compañías comenzaron a proponer sus propios modelos de bajo eléctrico, basados en los principios básicos que Leo Fender había establecido en su Precision pero incorporando nuevas ideas; así Nathan Daniel de Danelectro presentó en 1956 su “Danelectro UB2”, un instrumento de seis cuerdas y escala corta afinado una octava más grave que la guitarra estándar; y Roger Rossmeisl, de Rickenbacker presentó en 1957 su “Model 4000”, primer bajo eléctrico de la historia de mástil a través del cuerpo, cuyas verdaderas posibilidades tardarían años en apreciarse realmente.5
Fender Jazz Bass American Deluxe.

En 1960, Fender presentó su segundo modelo de bajo eléctrico, el Fender Jazz Bass un modelo de dos pastillas, cuerpo asimétrico y mástil ligeramente más estrecho que era considerado como el modelo “Deluxe” del Precision y cuyo nombre derivaba del modelo de la guitarra hermana del bajo, la Fender Jazz Master. Este modelo fue rápidamente adoptado por importantes músicos de sesión, como Joe Osborne quienes, junto a Carol Kaye o Max Bennet estaban ya experimentando con las nuevas posibilidades de ejecución que les ofrecía el nuevo instrumento, más ágil y más versátil que su hermano acústico. La función del bajo eléctrico comenzaba a definirse, y sus enormes posibilidades iniciaban a ser exploradas.

Por esa época, en el año 1966, Leo Fender diseñó un nuevo bajo eléctrico, el Mustang Bass. Ese sería su último diseño en la compañía antes de su salida definitiva en 1970. Este bajo era de un cuerpo idéntico a la guitarra Mustang y era de corta escala y cómodo para tocar, lo que facilitaba el ingreso de músicos novatos al mundo del bájo eléctrico.
James Jamerson

Sin embargo, el verdadero “padre” del bajo eléctrico tal y como lo conocemos hoy fue sin duda James Jamerson.,6 un oscuro y genial músico de sesión que, trabajando para la Motown con la banda de sesión The Funk Brothers, responsable de cientos de hits de Funk y de Soul (“The Funk Brothers” había grabado prácticamente con todos los artistas negros de la época, como Stevie Wonder, Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin o Diana Ross) contribuyó como nadie lo había hecho hasta entonces a descubrir y popularizar las verdaderas posibilidades que escondía el bajo eléctrico. Alejándose de los “clichés” de los bajistas de su época, Jamerson abrío un enorme número de nuevas vías musicales en el pop, usando técnicas de todo tipo que hasta entonces habían permanecido inéditas -pasajes cromáticos, walking bass, síncopas, líneas melódicas- que eran exlusivas y definitorias del nuevo instrumento. James Jamerson fue enormemente influyente en la historia del bajo eléctrico y con su enorme talento definió prácticamente en solitario el papel que el bajo eléctrico podía jugar en la banda. Tras él –y a veces contemporáneamente- emergio, una segunda generación de bajistas que exploraron y profundizaron en los caminos abiertos por Jamerson; entre ellos podemos destacar a Chuck Rainey, Donald “Duck” Dunn, Tommy Cogbill, Jerry Jemmott, y sobre todo, por su enorme éxito e influencia, Paul McCartney, el bajista de los Beatles
Paul McCartney

Si James Jamerson descubrió al mundo que el bajo eléctrico ofrecía posibilidades creativas únicas, Paul McCartney fue el encargado de asegurar que todo el mundo había entendido el mensaje. El estilo de McCartney –el primer bajista de renombre que no usaba un bajo Fender- comenzó a definirse y desarrollarse a mediados de la década de los 60, cuando Paul descubrió a Jamerson en las grabaciones de la Motown (si bien ignoraba de quien se trataba, pues los discos de la Motown no incluían los nombres de los músicos de sesión) y comenzó a explorar las posibilidades melódicas del instrumento en las canciones de su grupo. Con un gran talento para la melodía y una enorme capacidad creativa, McCartney fue además un gran experimentador, y el enorme éxito de los Beatles sacó definitivamente al bajo eléctrico de su relegada posición de segundo plano. Después de él ya todos sabían que existía una cosa llamada “bajo eléctrico”.
La era del rock

A finales de los 60, con el bajo eléctrico ya plenamente integrado en los escenarios musicales de todo el mundo, surgieron una enorme cantidad de bajistas tras la estela de James Jamerson y Paul McCartney que habían descubierto en el bajo eléctrico un territorio prácticamente sin explorar. La llegada del Rock trajo consigo nuevas necesidades de volumen y de sonido que llevó al desarrollo de nuevos sistemas de amplificación (Véase Ampeg). Músicos que han contribuido de una forma u otra al desarrollo del instrumento han sido John Entwistle. John Entwistle. de The Who, para quien la firma Rotosound desarrolló las primeras cuerdas “roundwound” (entorchadas) de la historia, John Paul Jones, de Led Zeppelin, Chris Squire, de Yes, o Jack Bruce, de Cream.
La era HI-FI

A finales de los 60 la banda psicodélica Grateful Dead estaba empeñada en desarrollar nuevos sistemas de amplificación para modificar el sonido de la banda. Su bajista, Phil Lesh, obsesionado con encontrar un sonido más articulado, encargó a Ron Wickersham una serie de mejoras en la eléctrónica de su “Guild Starfire”. El momento en que Wickersham se asoció con el luthier Rick Turner para trabajar para la banda señaló el nacimiento de una compañía que cambiaría para siempre la historia del bajo eléctrico: Alembic.

Hasta entonces el bajo eléctrico había sido un instrumento utilitario fabricado en serie, pero la compañía cambió radicalmente este concepto, aportando la idea del “Bajo boutique”, de precio elevadísimo, sofisticado diseño y complicada electrónica. Además la firma fue la creadora del primer bajo con circuitería activa de la historia7 Para más información sobre otras aportaciones de la compañía, véase Alembic
Otras técnicas, slap, funk, funk jazz y fusion

Cuando Leo Fender diseñó su Precision Bass daba por sentado que los músicos pulsarían las cuerdas con el pulgar de la mano derecha; Así lo habían hecho, en efecto, los primeros músicos en adoptar el instrumento, como Monk Montgomery, pero cuando guitarristas como Carol Kaye o Joe Osborn comenzaron a usarlo, escogieron la púa, que además le ofrecía una claridad de sonido sin precedentes en el estudio de grabación. Sin embargo la mayoría de los músicos que escogían el bajo eléctrico y que venían del contrabajo usaban una técnica alternativa: pulsaban las cuerdas con los dedos índice y medio de la mando derecha, imitando la técnica de pizzicato propia del contrabajo. A finales de los 60, el bajista Larry Graham, para compensar la pérdida del batería en la banda en que trabajaba, comenzó a golpear las cuerdas graves con el pulgar y pellizcar las agudas con el índice, una técnica que él denominaba “thumping and plucking” y con la que obtenía un sonido percusivo con el que pretendía compensar en parte la falta de la batería.8 Paralelamente, esta técnica de slap fue desarrollada por el bajista de sesión Louis Johnson, adoptada por Stanley Clarke y popularizada en su disco de 1974 “Stanley Clarke”, un disco que demostraba por primera vez que un bajista eléctrico podía ser líder de su propia banda, y que mostraba todo el artenal técnicamente virtuosístico de Clarke en el bajo eléctrico.
Stanley Clarke con el teclista George Duke.

Aunque la técnica del slap es particularmente frecuente entre los bajistas de Funk, merece la pena mencionar a dos músicos que han desarrollado un influyente lenguaje en el estilo sin haber usado jamás la técnica del slap: Francis "Rocco" Prestia, de Tower of Power y Verdine White, de Earth Wind and Fire. Y por supuesto, existe un tercero, pero merece un apartado.

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